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Colaboraciones con La Revista Habitat
El
Vocero de Puerto Rico
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| Movimientos para coleccionar |
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Viernes, 16 de mayo de 2008
Por: Sonia Zayas
Hábitat
¿Por qué se colecciona? Los motivos que han impulsado el coleccionismo en el siglo XXI no difieren demasiado de los siglos precedentes. Muchos coleccionan piezas por su deseo de posesión y de disfrute estético, prestigio y opción intelectual, otros adquieren arte únicamente como instrumento de inversión, y algunos se convierten en coleccionistas luego de adquirir obras simplemente para completar su diseño de interiores.
Por ejemplo, el Arte Abstracto , es un movimiento artístico que hoy en día disfruta de gran aceptación. El mismo que surgió alrededor de 1910 (representante del Arte del siglo XX) y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo pasado.
El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.
Estas tendencias fueron desbancadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista, que marcó un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura mientras que en Europa y Latinoamérica el Op Art y el arte cinético conocían sus horas de gloria.
En referencia al Op Art (Arte Óptico), es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año 1958. El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.
Otro representante del Arte Contemporáneo lo es el Pop Art (Arte Pop). Fue un movimiento artístico surgido en los años cincuenta en Inglaterra y en los años sesenta en Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.
Se puede decir que subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Puede afirmarse que el arte pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie.
También para finales de los años sesenta en Estados Unidos surgió la tendencia del Hiperrealismo , siendo la misma una tendencia radical de la pintura realista que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el Fotorealismo que es menos radical.
El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, claramente favorable a la literalidad del "trampaojo" (Trompe l´oeil), como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett.
Pero, ¿Qué es el trompe l´oeil ? Es una expresión francesa que significa "engañar al ojo". Una técnica pictórica que juega con la perspectiva y otros efectos ópticos. Los "trampaojos" suelen ser pinturas murales realistas creadas deliberadamente para ofrecer una perspectiva falsa. Pueden ser interiores (representando muebles, ventanas, puertas o escenas más complejas) o exteriores, en muros de edificios. También existen famosos trompe l´oeil en la arquitectura.
Para no dejar de mencionar un movimiento del Arte de la Edad Media y del Arte del siglo XIX, quiero mencionar el barroco y el impresionismo. El estilo barroco floreció en Roma. Tradicionalmente se le denomina así a este período que transcurre desde 1600 a 1750. La especial actitud estilística que caracteriza al arte barroco alcanzó un momento de madurez en Italia hacia 1630 y se desarrolló en los cuarenta años siguientes. El arte barroco también se caracteriza por su aspecto dinámico, en contraste con el estilo clásico, relativamente estático, del renacimiento. Esta tendencia se distingue por las líneas compositivas diagonales, que proporcionan el sentido del movimiento, y por el empleo de un marcado claroscuro.
El nombre "barroco" viene de Italia, lo cual significa bizarro o estrafalario. En este período se puede nombrar a: Rubens, Van Dyke, Rembrandt, Velásquez, Murillo, etc.
Hoy en día existe una interpretación contemporánea del barroco que se conoce como neobarroco .
El fenómeno artístico más significativo de la segunda mitad del siglo XIX (1860) es el surgimiento en Francia del movimiento pictórico del Impresionismo, que afirmó su espontaneidad creadora frente a todas las reglas académicas y buscó el valor de sus pinturas en la percepción inmediata de los colores. Es decir, apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo.
Los impresionistas, en cambio, escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Fueron muy radicales en su opción de materia, evitando temas tradicionales históricos, religiosos o románticos para concentrarse en paisajes y las escenas de vida diaria. El nombre del movimiento ha sido inspirado por una de las pinturas de Claude Monet.
El principal precursor del movimiento impresionista fue Edouard Manet y las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.
El coleccionismo de arte enriquece nuestras experiencias y hace más placentera nuestra vida. El arte es motivo de conversación y entretenimiento, pero sobre todo de comunicación y educación. Las obras nos inspiran y despiertan sentimientos. Una verdadera obra de arte se adquiere para toda la vida y es un legado que podemos pasar de generación a generación. También se considera como una inversión, ya que a medida que la trayectoria del artista se desarrolle, su obra aumentará de valor. Por éstas y por muchas otras razones, el arte juega un papel protagónico en nuestro hogar.
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| Convierte tu hogar en una galería de arte |
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Viernes, 11 de abril de 2008
Por: Sonia Zayas
Hábitat
Sin duda las obras de arte le dan una personalidad única a cada espacio. Dependiendo de lo que se quiera lograr; una obra de arte puede ser la pieza protagónica del espacio. Es importante definir que se quiere lograr para encontrar el punto de armonía entre la decoración del mobiliario, la pintura y los recubrimientos de los pisos y muros y las obras que se quieran mostrar, para que ninguna pieza compita en protagonismo de manera que se luzcan los elementos de la manera que se desea.
Un punto básico para esto es la iluminación. Hay que tener en cuenta que a la hora de diseñar la iluminación de una obra de arte, lo más importante es pensar en su conservación. Para esto inciden varios factores como la técnica y los materiales usados, ya que los distintos materiales reaccionan de manera diversa ante las condiciones de luz. De igual manera la época en que se realizó la obra, teniendo así en cuenta la edad y la calidad de los materiales según la época. Esto es importante si consideramos que lo que más degrada una obra de arte es la incidencia de la luz UV.
Para minimizar estos efectos a veces es suficiente con un cristal de 3mm, y usar lámparas que emitan poco calor. Aunque las lámparas que le dan mejor apariencia a los cuadros son aquellas de luz de día o luz cálida. Sin embargo un experto en conservación puede determinar con mayor efectividad los medios que han de ser tomados para la conservación de las obras.
La distancia a la que ha de ser colocado el cuadro será aquella a la que quede a nivel de los ojos el centro del cuadro o bien el punto focal del cuadro, esto es el punto de mayor dominancia visual. (considerado para una persona con una altura promedio de 1.75 sería 1.60)
Es importante poner una luz de acento especial para el cuadro ya que esto hará que llame la atención y que el observador pueda apreciarla mejor, no existe una proporción correcta, todo dependerá del gusto del curador y la intención del cuadro en cuanto a protagonismo.
Espero que estos consejos le sean útiles, y pueda convertir su hogar en una galería de arte. |
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| El enmarcado correcto para tu obra de arte |
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Viernes, 18 de enero de 2008
Por: Sonia Zayas
Hábitat
El enmarcado fue creado primordialmente para embellecer las pinturas, establecer sus límites y definir su espacio. El marco como un entorno decorativo colocado alrededor de la pintura es conocido en la Historia del Arte desde la antigüedad en Egipto, Grecia y Roma (en pinturas de muros y mosaicos) así como también en las paredes de las iglesias de Europa, donde las imágenes religiosas eran bordeadas por elementos decorativos similares a las que podemos ver en los libros. Los italianos quienes fueron los primeros maestros del arte, con sus hermosos marcos influenciaron inicialmente a España, Alemania, Francia, Holanda y luego al resto del mundo. El cambio más profundo en el enmarcado antes del Siglo XX, se produjo a comienzos del Siglo XVI en Italia, cuando los maestros de la época introdujeron el uso de "molduras", sentando las bases del enmarcado de pintura de caballete para los próximos siglos.
Inicialmente al enmarcado sólo se le exigían dos funciones: la primera era proporcionar a la obra un medio que le permitiera colgarla para poder contemplarla, la segunda era lógicamente realzar los valores estéticos y en muchas ocasiones mejorarlos. Ambas condiciones tenían como único condicionante el precio.
Pero con el paso del tiempo este concepto se ha ido transformando, siendo cada vez mayor la preocupación (de clientes, enmarcadores y fabricantes) por la preservación y conservación de los objetos enmarcados, y he ahí nacimiento del término "Enmarcado de Conservación". Esto ha ido cobrando cada vez mayor importancia y en la actualidad se ha convertido en el elemento esencial, lo que hace que el propietario o vendedor de las obras, no deje que estas sean manejadas por cualquiera, obligándolos hacerse de los conocimientos necesarios para adquirir la experiencia en cuanto a la manipulación de las mismas, con el propósito de evitar posteriormente el riesgo y los daños que esto supone. Hoy en día se comienzan adicionalmente a exigir otras calidades tanto en la manipulación, como en productos y materiales que se utilizan.
Un enmarcador profesional, con claros principios de la ética de su oficio, está en el deber hacer hincapiés al consumidor sobre los productos que usará, el país de procedencia, fabricante, sobre todo la calidad de lo que le ofrece, etc., y el consumidor esta en el legítimo derecho de saberlo. En consecuencia deberá conocer para poder hacer un buen trabajo, los distintos tipos de papel con las características que los distinguen, las distintas técnicas pictóricas y sus diferencias, las clases de grabado y de impresión, las de fotografía y su forma de ejecución, así como también las características de las tintas y pigmentos utilizados en su elaboración, y su técnica de aplicación.
Sólo así podrá explicarle a sus clientes de lo que se trata, prever el comportamiento del uso de determinados materiales, las posibles reacciones entre esos materiales y otros productos que se emplean en el enmarcado, además de explicarles la interrelación que existe con los factores ambientales, humedad, temperatura, luz y polución.
Cuando se habla de enmarcado de conservación, que es el que los tiempos de hoy exigen, tenemos que tener claro que existe una relación del valor de los materiales directamente proporcional con el precio final, por lo que es improbable por no decir imposible que pueda ofrecerse un servicio de esta calidad a bajo costo.
Nuestra recomendación es que desde coleccionistas hasta amantes de las artes, adquieran los conocimientos y destrezas necesarias para comprender la metodología correcta del cálculo de una enmarcación, y siempre pregunten sobre el tipo de los materiales se van a usar en sus obras.
Un dato que debe aprender todo aquel que va a un establecimiento es la formula que se usa para el cobro de sus enmarcados. Por ejemplo, en el caso de una pintura, lo correcto es multiplicar el ancho de la moldura por ocho, sumarle las medidas de los cuatro lados y dividirlas entre doce, esto le dará la cantidad de pies exacta que deben cobrarle. Si esto resulta complicado, o tiene dudas de la explicación, algo sencillo y de más fácil manejo y que a la vez sirve como comprobación de lo anterior, es lo siguiente: después de enmarcada la obra de referencia, usted mide los cuatro lados por fuera del marco, los suma y los divide entre doce, ese resultado debe coincidir con la cantidad de pies de moldura que le han cobrado, si no es así, lamentablemente tendrá que visitar otro establecimiento, por que en ese le están tomando el pelo.
Una obra de arte no debe ser profanada, vale la pena dejarla con un buen bastidor en su estado original, hasta que pueda enmarcarla correctamente con la calidad que procede, bajo el criterio de un experto, que hacer un procedimiento mal hecho y recurrir al uso de materiales indebidos por unos cuantos dólares menos. |
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| Seguridad de las obras de arte |
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Viernes, 4 de enero de 2008
Por: Sonia Zayas
Hábitat
La seguridad de las obras de arte en la actualidad, se rige por la necesidad de conservar unos bienes patrimoniales, que nos han sido legados y sobre los que tenemos una responsabilidad que debemos asumir cuando forman parte de nuestro patrimonio, ya sea como puro objeto artístico o como inversión. Conceptos para tener en cuenta
*Seguridad : proteger las obras de todo tipo de agresiones externas, ya sean originadas de forma voluntaria o involuntaria
*Conservación : Proteger las obras de las condiciones climáticas, de iluminación, temporales, etc.
La circunstancia mas importante de todas es el control de la humedad, ya que esta puede originar, si se producen cambios bruscos en el porcentaje de humedad, que el lienzo sufra variaciones dimensionales que podrían provocar la aparición de craquelados en la capa pictórica, lo que la desvirtúa ya que se pierde definición al contemplarla, y fragilidad, ya que el craquelado posibilita que se puedan desprender trozos de dicha capa pictórica.
Esto con respecto a los lienzos, si contemplamos todas aquellas obras ya sean pictóricas, escultóricas, etc., cuyo soporte es la madera, todos somos conscientes de los efectos de la humedad sobre esta.
La humedad a su vez, facilita la posible aparición de formaciones biológicas (hongos y bacterias), que de no corregirse adecuadamente, puede llegar a destruir la obra en su efecto mas negativo, o producir manchas de muy difícil corrección.
Las vibraciones es otro efecto que debemos tener en cuenta pues también pueden craquelar la capa pictórica, o producir desprendimientos en capas ya fragilizadas, por lo que debemos tomar precauciones si se producen vibraciones por efectos de obra de construcción en su hogar o en zonas aledañas.
Por otro lado, la iluminación es algo muy importante, ya que hay que tener en cuenta que por ejemplo la luz infrarroja, que forma parte del espectro de la luz visible, puede llegar a decolorar los pigmentos, por lo que se podría perder el color de la capa pictórica en exposiciones prolongadas.
Por ello, en caso de iluminar la obra para su correcta exhibición, se ha de filtrar la luz para eliminar tanto la luz infrarroja como la ultravioleta. Esto se consigue utilizando filtros en los propios focos. Tengamos así mismo en cuenta, la luz procedente de la iluminación natural procedente de ventanas, que debe ser también filtrada mediante la incorporación de capas de filtros en los cristales, y sobre todo, que nunca le llegue la luz directa desde el exterior. Conceptos de Seguridad
Agresiones Voluntarias
Son aquellas que se producen con el ánimo de efectuar un daño, y por lo tanto, podrían considerarse delito.
Entre otras podemos destacar:
*Robo
*Corte del lienzo con el ánimo de desprenderlo en su totalidad del marco como posible forma de robo.
*Derramarle líquidos agresivos, etc.
Agresiones involuntarias
Son aquellas que se producen sin ánimo de efectuar daño, y normalmente son por descuidos, falta de formación y falta de sensibilidad hacia las obras.
En general, estas serían:
*Tocar la obra directamente,lo que deposita sobre la misma poco a poco la suciedad de las manos.
*Aproximaciones excesivas que al contemplar las obras muy de cerca depositan el CO2 de la respiración.
*Roces con objetos en labores de mantenimiento (limpieza), reparaciones en las proximidades, etc.
*Uso de luces inapropiadas (sin filtro).
Agresiones producidas por sistemas de seguridad
Los sistemas de seguridad implantados desde una perspectiva ajena al conocimiento de las condiciones de conservación, pueden generar grandes daños a medio y largo plazo. Sistemas de seguridad perjudiciales :
*Sistema anti-intrusión. Cuando se emplee luz infrarroja en detectores activos.
* Cuando se emplee iluminación infrarroja para visión nocturna de zonas con cámaras.
*Sistemas de extinción de incendios (empleo de productos de extinción perjudiciales).
Sistemas de seguridad aconsejables
*Sistema de control de manipulación, temperatura y humedad.
*Sistema de extinción apropiado para la conservación de las obras.
*Proteger las obras mediante la incorporación de cristales es una solución sencilla, que protege las obras de las agresiones externas y pueden incorporar filtros para la luz.
En conclusión son muchos los conceptos a tener en cuenta según se ha descrito. No obstante, el establecimiento de medidas de seguridad suficientes para su colección, ya que no hay que poner más de las necesarias, es más sencillo de lo que pueda parecer, si cuenta con asesoría profesional que sepa ajustarse a sus necesidades. |
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| ¿Como escoger una pintura? |
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Viernes, 4 de enero de 2008
Por: Sonia Zayas
Hábitat
En ocasiones nos preguntamos, ¿Que tenemos que saber para elegir una buena obra de arte? ¿Son necesarios grandes presupuestos? ¿Cómo elegir una obra que vamos a ver todos los días? ¿Los marcos tienen que estar en consonancia con las obras o con las decoraciones? Adjuntamos unas pequeñas claves de cómo contestar a estas y otras cuestiones. Las obras de arte son cómo las personas, la diversidad entre ellas es infinita. Y así como elegimos a nuestros amigos y compañeros, así tenemos que seleccionar aquellas obras de arte que nos produzcan mejores impresiones.
Cada obra de arte responde a un propósito
Algunas pretenden transmitir mensajes o describir situaciones y paisajes. Estos propósitos se buscan igualmente con obras de tipo figurativo o abstracto.
Nuestro carácter e incluso nuestro estado de ánimo nos acercan más a unos estilos y motivos que a otros. Intentemos elegir aquellos mas afines con nuestro gusto estético. La obra de arte llega a su plenitud cuando entre el artista y el observador se crea una transmisión. Dejémonos aconsejar por profesionales , pero no olvidemos que lo que nos gusta y causa mejor impresión es lo que más vamos a disfrutar y no todos compartimos los mismos principios estéticos.
Además, es bueno investigar sobre el artista, saber cuán comprometido está con su carrera, conocer sobre sus pasadas exposiciones y sus proyectos futuros. Conocer estos datos es importante al momento de hacer una inversión. Pero quiero reiterar, que e l análisis del currículo del artista nos informará sobre su trayectoria, pero no nos acercará más a la obra si no logramos conectar con él.
El enmarcado
Un buen enmarcado es el complemento de la obra de arte. Si es el adecuado, realzará su contenido. Sino es así, puede llegar a desvirtuarla o hacerle perder importancia.
El enmarcado , ofrece una gran variedad de posibilidades, tanto desde el punto de vista técnico como estético. Tal variedad complica en ocasiones la elección del marco adecuado.
De manera general nos podemos encontrar con dos tendencias: la que establece que el marco es un accesorio que debe ser lo mas mínimo posible para no entorpecer el disfrute de la obra de arte. Por otro lado, hay quienes opinan que el marco debe de ser elegido para realzar la obra de arte.
Mi consejo es que se debe analizar cada caso en concreto estudiando los diferentes elementos que conforman el enmarcado: moldura, bastidor, cristal, entre otros y elegir el más adecuado en función y beneficio de la obra y donde vaya a estar situada.
LA COLOCACIÓN DE LAS OBRAS
Si ya se ha elegido la obra de arte y su correcto marco, solo queda situarla adecuadamente. Esta fase es igual de importante que las dos anteriores. El estilo de la obra y el marco pueden estar en consonancia o contraste con la decoración de la casa, pero si que deben tener en cuenta algunos aspectos de colocación e iluminación:
• La altura óptima para situar los cuadros es aquella donde la visión de nuestros ojos coincida con el centro de la obra . (62" desde el piso aproximadamente)
• Es necesario dejar un espacio entre la obra y el espectador que sea suficiente para observarla adecuadamente. Esta distancia está en relación con el tamaño del cuadro. Una regla general puede ser que podamos observar el cuadro con una distancia como mínimo del doble del tamaño de la obra.
• El cuadro tendrá que tener una iluminación adecuada que permita observar sus detalles. Si la luz ambiental donde está situado no lo permite, habrá que incluir iluminación especial directa hacia la obra. Esto se puede conseguir con los focos desde el techo orientados al cuado o con los denominados ilumina-cuadros.
• De manera general, déjate aconsejar por profesionales pero no olvides que lo importante es lo que te gusta a ti, lo que vas a disfrutar más.
En mi opinión, y para concluir, cuando se colecciona arte, lo más importante es el grado de identificación que ocurra entre la pieza de arte y usted. Es muy importante esa identificación pues la obra estará con usted posiblemente el resto de su vida. Edúquese y déjese orientar por los profesionales, de esta manera sabrá que artistas están sobresaliendo y que no le conviene. Se debe buscar un galerista honesto, que no solo quiera vender, sino guiarlo y orientarlo para que usted pueda tomar una buena decisión. |
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| El Coleccionismo |
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Viernes, 21 de diciembre de 2007
Por: Sonia Zayas
Hábitat
El Vocero de Puerto Rico
El mundo del coleccionismo es como el túnel del tiempo: quien entra en él, nunca sale. El coleccionismo se adueña de uno. Las maravillas artísticas del pasado y del presente, con su historia y su belleza, toman posesión de un pacífico ciudadano del siglo XXI y lo convierten en: coleccionista. Durante toda su existencia, va almacenando piezas de las que disfruta en vida y lega a su muerte, haciendo perdurar su nombre, en el mejor de los casos, más allá de su propia generación.
Hay quien piensa que el coleccionismo es una cualidad innata en el hombre, pero lo cierto es que aquellos que pueden desarrollar dicha cualidad a lo largo de su vida, no son sino mimados de la fortuna. Y no sólo quien se dedica al alto coleccionismo, existe también otro coleccionismo , en esencia igual que el anterior, que cualquiera puede realizar y que, en este caso es básicamente cultural.
Cabría pensar si la vida del hombre sobre la Tierra no es sino coleccionar objetos, pensamientos, oficios, dolores y alegrías. Todo el mundo , en su medida, es coleccionista de algo . La elección del tipo de coleccionismo viene determinados por la afición y el desarrollo cultural de cada persona.
Una buena compra debe estar apoyada en dos puntales: el buen gusto y la inversión .
La inversión pura y dura en obra de arte es difícil de mantener y crea falsas expectativas en los circuitos comerciales. Pero una buena compra , en todo caso, debe tener en cuenta que la inversión realizada sea rentable a medio y largo plazo. Para ello, hay que saber qué se compra y a qué precio.
La mayoría de las veces son los propios profesionales quienes mejor pueden asesorar e informar , pero si surgen dudas al estar implicados en el negocio, siempre se puede recurrir a centros de tasación y asesoramiento independiente.
Hay coleccionistas con buen ojo clínico que sistemáticamente, apuestan por artistas jóvenes, incluso, desconocidos en la confianza de que algún día multiplicarán su inversión. A veces, se obtienen buenos resultados, sobre todo si se tiene buen gusto y un cuidadoso sentido crítico. Lo normal, cuando se trata de cifras altas de dinero, es invertir en la obra de aquellos artistas sobre los que el paso del tiempo ha despejado las posibles dudas acerca de su consagración artística. El tiempo no irá más que reafirmando la obra del autor e incrementando su precio.
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| ¿Cómo conservo mi colección? |
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Viernes, 7 de diciembre de 2007
Por: Sonia Zayas
Hábitat
El Vocero de Puerto Rico
Desde la perspectiva de QUÉ es una pintura, existen dos instancias: la materia que la constituye y la estética e imagen visualizada en el cuadro.
La pintura como materia se constituye en varias capas o estratos: base, capas de pintura y barniz. La mayoría de las pinturas se encuentran sobre un soporte de tela, cartón o en un panel de madera.
Por otra parte, el conjunto de materiales utilizados compone la obra y en ella se representa la imagen creada por el artista. Ciertamente en una análisis estético existen varias formas diferentes de apreciar una obra de arte, dentro de las cuales se distinguen las características puramente sensoriales, donde el espectador disfruta o se complace de la imagen, sin complejas relaciones formales como las ideas o emociones que el artista quiso plasmar en su obra a través de la imagen.
La apreciación sensorial queda pronto implicada en la apreciación de los valores formales. No permanecemos mucho tiempo embelesados con la cualidad de los tonos o colores aislados, sino que advertimos pronto las relaciones entre esos elementos y las supuestas intenciones del artista sin olvidar su medio y contexto.
Esta materia e imagen, conforman la obra de arte. Como materia, la obra sufre alteraciones que la degradan por el paso del tiempo o por factores ambientales, biológicos o humanos. Estas alteraciones impiden la conservación de la obra en el tiempo.
¿Qué es la conservación?
La conservación es el principio que se preocupa de conservar los materiales de las obras, permitiendo que la imagen del cuadro persista en el tiempo, tal como fue creada por el pintor.
La conservación preventiva es un plan para prolongar la permanencia en el tiempo de las obras, tomando medidas para disminuir el deterioro y/o daño que pueden causar ciertos factores o agentes, como por ejemplo:
- El exceso de radiación de luz solar o artificial
- Cambios bruscos de temperatura
- La Humedad relativa inadecuada
- Agua
- Fuego
- Plagas
- Contaminantes
- Robo
- Vandalismo
- Abandono
En definitiva, se trata de prevenir las causas que provocan el daño sobre las obras.
¿Cómo conservar mi colección?
Primero, debemos identificar y evaluar los riesgos actuales que podemos tener en nuestro hogar o bien, en nuestra oficina, y así poder desarrollar estrategias simples para el manejo de riesgos.
Segundo, debemos encontrar el lugar más adecuado para nuestra colección:
- Lejos de ventanas sin cortinas; los vestíbulos y habitaciones sin ventanas son los mejores.
- No colocar lámparas cerca de los cuadros, menos con luz directa a la pintura.
- Humedad relativa y temperaturas moderadas.
- No ubicar cerca de estufas o de la chimenea.
- Aire limpio y con buena circulación.
- Alejado de las fuentes de agua, no simplemente de las tuberías que gotean, pero también considerar qué habitación se encuentra arriba.
- Considerar también como riesgo, las paredes próximas a baños, cocinas, o a riegos de jardín.
Sea un buen guardián
- Revise su colección completa con regularidad.
- Mantenga el área limpia de polvo, plagas, basura y alimentos.
Almacenaje
- Utilice materiales inertes, como papeles sin ácidos o alcalinos. Evite las carpetas y sobres tipo oficina, ya que por lo general son ácidos.
- Cuando sea necesario, use espuma de polietileno para acojinar. Trate de no apilar los cuadros sin acolchar y revestidos con materiales inertes.
Montaje
- Buscar una pared adecuada para anclar un perno con seguridad y máxima estabilidad según el peso del cuadro.
- Los montajes deben ser seguros para las piezas que se cuelgan de la pared.
¿Qué puede causar una mala conservación?
Suciedad y calor
El calor reseca el material de la pintura, acelerando el proceso de envejecimiento natural. Las fuentes de calor pueden ablandar la pintura, así la suciedad es atrapada fácilmente en la pintura y el barniz ablandados.
Agua - Humedad
La humedad debilitará la adherencia de las capas de la pintura y causará, eventualmente, la pérdida de éstas.
Los cambios bruscos de humedad no son buenos para las pinturas, debido a que quedan propensas a una fragilidad y daño mecánico producido por la tensión en el soporte, es decir, las deformaciones que se producen en el soporte tela, como también la tendencia a curvarse la madera cuando se trata de pinturas sobre panel, lo que origina craqueladuras y desprendimientos de las capas de pintura.
Luz
En general, la luz ultravioleta se debe mantener ausente de las pinturas, porque produce decoloramiento de los pigmentos y amarillamiento del barniz. (Las ondas ultravioletas se encuentran en la luz solar y algunas luces artificiales)
Ayuda Profesional
Si usted tiene dudas sobre el cuidado de sus cuadros o bien, observa algún tipo de alteración en éstos, los conservadores son su mejor fuente de información.
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